jueves, 1 de diciembre de 2011

CANTOS GREGORIANOS !!!!!


El canto llamado gregoriano, inicialmente canto cristiano es un tipo de canto llano (simple, monódico, sin saltos: movimientos por grados conjuntos y con una música supeditada al texto) utilizado en la liturgia de la Iglesia Católica Romana, aunque en ocasiones es utilizado en un sentido amplio o incluso como sinónimo de canto llano. Deben rastrearse sus orígenes en la práctica musical de la sinagoga judía y en el canto de las primeras comunidades cristianas. La denominación canto gregoriano procede de atribuírsele su recopilación al Papa San Gregorio Magno, siendo una evolución del canto romano confrontado al canto galicano. Debe aclararse y entenderse que el canto gregoriano no es inventado ni siquiera recopilado por el Papa Gregorio I Magno. Fue a partir del siglo IX que empezó a asociarse su nombre a este compendio musical, sobre todo a partir de la biografía de Juan el Diácono.
Desde su nacimiento, la música cristiana fue una oración cantada, que debía realizarse no de manera puramente material, sino con devoción o, como lo decía San Pablo: «Cantando a Dios en vuestro corazón». El texto era pues la razón de ser del canto gregoriano. En realidad el canto del texto se basa en el principio de que, según san Agustín, «El que canta bien, ora dos veces». El canto gregoriano jamás podrá entenderse sin el texto, el cual tiene prelación sobre la melodía y es el que le da sentido a ésta. Por lo tanto, al interpretarlo, los cantores deben haber entendido muy bien el sentido del texto. En consecuencia, se debe evitar cualquier impostación de voz de tipo operístico en que se intente el lucimiento del intérprete. Del canto gregoriano es de donde proceden los modos gregorianos, que dan base a la música occidental. De ellos vienen los modos mayores y menores, y otros cinco menos conocidos

MUSICA DEL ROMANTICISMO !!!!!

El romanticismo fue un periodo que transcurrió, aproximadamente, entre principios de los años 1820 y la primera década del siglo XX, y suele englobar toda la música escrita de acuerdo a las normas y formas de dicho período. El romanticismo musical es un período de la música académica que fue precedido por el clasicismo y continuado por el modernismo.
El romanticismo musical está relacionado con el romanticismo, la corriente de cambios en literatura, bellas artes y filosofía, aunque suele haber ligeras diferencias temporales, dado que el romanticismo en aquellas artes y en la filosofía se suele reconocer entre los años 1780 y 1840. El romanticismo como movimiento global en las artes y la filosofía, tiene como precepto que la verdad no podía ser deducida a partir de axiomas, en el mundo había realidades inevitables que sólo se podía captar mediante la emoción, el sentimiento y la intuición. La Música del Romanticismo intentaba expresar estas emociones.
El término música romántica, que podría confundirse con la Música del Romanticismo, se entiende como toda música suave o con una atmósfera ensoñadora (no siempre ha de ser así). Ese término podría relacionarse con la palabra romántico que se estableció durante el romanticismo, pero no toda la Música del Romanticismo cumple con estas características. Del mismo modo, no toda la música romántica se puede relacionar con el período romántico.

Ópera romántica (1800–1924)
En la ópera se tendió a relajar, romper o mezclar entre sí, las formas establecidas en el barroco o el clasicismo. Este proceso alcanzó su apogeo con las óperas de Wagner, en las cuales las arias, coros, recitativos y piezas de conjunto, son difíciles de distinguir. Por el contrario, se busca un continuo fluir de la música.
También ocurrieron otros cambios. Los castrati desaparecieron y por tanto los tenores adquirieron roles más heroicos, y los coros se tornaron más importantes. A finales del período romántico, el verismo se popularizó en Italia, retratando en la ópera escenas realistas, más que históricas o mitológicas. En Francia la tendencia también se acogió, y quedaron ejemplos populares como Carmen de Bizet.
Muchos compositores del romanticismo, a partir de la segunda mitad del siglo XIX, escribieron música nacionalista, que tenía alguna conexión particular con su país. Esto se manifestó de varias maneras. Los temas de las óperas de Mikhail Glinka, por ejemplo, son específicamente rusos, mientras que Bedrich Smetana y Antonín Dvorák utilizaron ritmos y temas de las danzas y canciones populares checas. A finales del siglo XIX, Jean Sibelius escribió Kullervo, música basada en la épica finlandesa (la Kalevala) y su pieza Finlandia se convirtió en un símbolo del nacionalismo finés.

 Instrumentación y escala

Como en otros períodos, la instrumentación siguió mejorándose durante el período romántico. Compositores como Hector Berlioz orquestaron sus obras de una forma nunca antes escuchada, dándole una nueva prominencia a los instrumentos de viento. El tamaño de la orquesta estándar aumentó, y se incluyeron instrumentos tales como el piccolo y corno inglés, que antes se utilizaban muy ocasionalmente. Mahler escribió su octava sinfonía, conocida como la Sinfonía de los miles, por la masa orquestal y coral que se requiere para interpretarla.
Además de necesitar una orquesta más grande, las obras del romanticismo se tornaron más largas. Una sinfonía típica de Haydn o Mozart, compositores del clasicismo, puede durar aproximadamente veinte o veinticinco minutos. Ya la tercera sinfonía de Beethoven, que se suele considerar como del romanticismo inicial, dura alrededor de cuarenta y cinco minutos. Y esta tendencia creció notablemente en las sinfonías de Anton Bruckner y alcanzó sus cotas máximas en el caso de Mahler, con sinfonías que tienen una hora de duración (como es el caso de la primera y la cuarta) hasta sinfonías que duran más de una hora y media (como la segunda, tercera o novena).
Por otro lado, en el romanticismo creció la importancia del instrumentista virtuoso. El violinista Niccolò Paganini fue una de las estrellas musicales de principios del siglo XIX. Liszt, además de ser un notable compositor, fue también un virtuoso del piano, muy popular. Durante las interpretaciones de los virtuosos, solían destacar más ellos que la música que estaban interpretando.
Estos son algunos de los instrumentos que aparecen en el romanticismo:
VIENTO
Contrafagot: Especie de fagot de grandes dimensiones, cuyos sonidos se producen a la octava grave del fagot ordinario.
Saxofón: Instrumento de viento compuesto de un tubo cónico de metal encorvado en forma de U, con varias llaves y una boquilla de madera y caña. Los hay de varios tamaños.
Corno inglés: Instrumento de viento, más grande y de sonido más grave que el oboe.
Tuba: Instrumento de viento de grandes proporciones y de sonoridad voluminosa y grave.
TECLADO
Piano: Aunque ya existía en el Clasicismo, el piano es el gran instrumento del romanticismo. Permite la mayor expresividad a los compositores, que son, además, virtuosos del instrumento. Tiene capacidad dinámica amplia y una gran riqueza sonora. Casi todos los compositores románticos van a ser también excelentes pianistas.
Armonio: Instrumento de teclado. Sustituye al órgano en música religiosa. Su elemento sonoro es un juego de lengüetas que se ponen en vibración insuflando aire mediante un fuelle de pedal. Su extensión es de unas cinco octavas.
PERCUSIÓN
Vibráfono: Especie de xilófono construido a base de placas de metal, cada una de las cuales posee un tubo que hace de caja de resonancia. Su uso es normal en la orquesta sinfónica.

MUSICA CLASICA !!!!

La musica clasica corresponde únicamente a la musica culta compuesta en el período clásico, de mediados del siglo XVIII hasta principios del XIX. El término “musica clasica” se ha extendido también a la música seria compuesta entre el medioevo y el presente.

En general se le llama “clasica”, pero los que saben, dicen que tal nombre se debe reservar para tal musica, pero sólo para la que se hizo en un tiempo determinado, que se conoce como el período clásico de la música, aquel periodo en el que se destacaron Haydn, Mozart y Beethoven.

Puede ser llamada también musica “culta”; pero en el concepto moderno, toda musica es producto de una cultura, entendiendo por ésta, el conjunto de ideas, creencias religiosas, ciencias, artes y costumbres que forman y caracterizan el estado social de un pueblo o una raza.
De todas formas, lo que define a este estilo musical es excluyente. Se trata de aquella que no es popular ni folklórica. Es realizada por pocos, con la idea de que le guste a muchos, pero estos no suelen ser tantos en general. Sus autores y ejecutores han estudiado una larga carrera en escuelas especiales, conservatorios, y sus oyentes, en general han sido inducidos a gustarla por tradición familiar, que luego puede cultivarse. Requiere de cierta iniciativa personal para llegar a ella. Algo que si es definitivo es que ha podido trascender las fronteras del tiempo y el espacio; es universal. El mensaje que transmite la música clásica ha evolucionado en forma paralela al pensamiento occidental. Es su característica mas notable: no es estática, esta en contínuo recambio de formas y modos, buscando siempre nuevos lenguajes, nuevas formas de expresión, cosa que no ocurre en la música de otras culturas.
A pesar de los limitantes de no ser folklórica ni popular, la musica clasica está confinada a un ámbito geográfico, el de la cultura occidental, es decir, los pueblos europeos y sus herederos culturales, primero los americanos y después algunos otros. Hay también una limitante temporal, refiriéndonos con el término “musica clasica” a aquella creada a partir del Renacimiento y que representa el fenómeno cultural más brillante que se ha dado en la historia de la humanidad, solo comparable, por sus alcances, a la ciencia de la Europa posrenacentista.
Sus orígenes radican en las musicas medievales y renacentistas, quedando estas excluidas de la clasificación “clasica”. También se excluyen la oriental y la africana, sin desconocer sus valores y aportes. La música clásica occidental nos dice de estados anímicos muy profundamente arraigados en los europeos y sus herederos espirituales.
Normalmente en música se entiende por clasicismo, el breve periodo que va desde 1770 a 1810.

El clasicismo es un periodo artístico en el que se tiende a expresar la idea de perfección formal de la realidad, con la fuerza mas absoluta; es decir, se tiende a expresar el mundo como un ser bello, perfecto y dar a través del arte el sentido de perfección, de tranquilidad, de lo ideal. Es por esto que se tiende a acentuar la forma de las cosas y no la ideología o el contenido. De esta manera se logra reflejar perfección. El clasicismo nos da un hombre como ser armónico y a la humanidad es reflejada como una sociedad perfecta y sin problemas. Esto conlleva a una contradicción que surge durante la revolución francesa, un periodo de rupturas, de cambios de todo tipo y no lo refleja en su estética. El hombre clásico es, pues, el ideal de lo bello. Lo único que tiende a expresar.


Cualidades que definen la musica clasica

Se busca una música delicada, muy brillante, alegre y plástica.
Para lograr esto, la melodía toma una enorme importancia y se convierte en el elemento básico de esta musica. La melodía es el alma de la musica clasica. Para poder llegar a estas melodías se va a recurrir a la musica popular y folklórica. Están constituidas de tal forma que logran reflejar la perfección, con frases de ocho compases ( divididas en dos períodos de cuatro y cuatro ), de dieciséis ( ocho mas ocho ) o de seis ( tres mas tres ). De esta forma se crean unas melodías enormemente regulares.
Se pierde el ritmo mecánico y cuadrado del Barroco, en favor de ritmos más naturales y variados proviniendo muchas veces precisamente de la melodía. Se trata de encontrar tonalidades fáciles y simples, con preferencia de los tonos mayores sobre los menores, los cuales son únicamente utilizados cuando la musica quiere llegar a fuertes esferas de la expresión, mostrando a la musica clasica como algo alegre, brillante y claro.
El clasicismos logra expresarse sobre todo a través de la forma Sonata y la Sinfonía y secundariamente con otras formas de carácter popular como la Serenata, la Casación y el Divertimento.
La musica clasica tiene como ideal crear algo puramente bello, una musica que no sirva a ninguna finalidad fuera de si misma, por ello que no intenta servir, representar o imitar. Intenta ser un arte que se sostenga por si mismo, sin propósitos concretos. La norma del Clasicismo es construir una musica lo más simple posible, simbolizando al hombre como ser armónico y sin problemas.
Con la ayuda de la Revolución francesa, el Clasicismo va a conseguir extender la musica clasica a la mayor cantidad posible de público, que desde este momento va a comenzar a valorarla en toda Europa.

MUSICA BARROCA !!!!!

Se aplica el nombre Barroco al período artístico que se sucede en los siglos XVII y XVIII.
En esta época la música será utilizada por las monarquías absolutistas para engrandecerse frente al pueblo.
Por otra parte, la música religiosa responde a los planteamientos de la Contrarreforma que había promovido el Concilio de Trento y de la Reforma Luterana, cuyo máximo exponente será la música de Juan Sebastián Bach.
La música barroca es música de contrastes tímbricos, melódicos, rítmicos, etc. En España florecen la Zarzuela y la Tonadilla.
LA MÚSICA INSTRUMENTAL BARROCA
La música instrumental ha llegado desde las primeras formas primitivas, a un gran color y riqueza instrumental.
¿ Qué define la música instrumental barroca ?
A partir de 1600, año en que comienza el Barroco, la música instrumental iguala por primera vez su importancia con la vocal.
Se siguen usando la canzona, ricercare, toccata, etc.., pero cambia de carácter con las nuevas técnicas y, sobre todo, se inventan otras de interés transcendental como son la suite,
La sonata, el concierto, la fuga. La orquesta se transforma. Ya no se trata de una serie de instrumentos unidos por azar, sino de un grupo pensado, donde la cuerda pronto será la espina dorsal del conjunto.
Las técnicas empleadas también son las mismos que en la música coral:
* El policoralismo instrumental.
* La contraposición de planos sonoros y timbres entre la orquesta (tutti), un grupo (concertino), el solista (solo), o sea, el estilo Concertato.
* La contraposición de movimientos veloces y lentos.
* El bajo contínuo.
* La monodia acompañada en la que algún instrumento hace de solista.
¿ Cuales son los instrumentos del Barroco ?
Los instrumentos más característico del Barroco son la familia de cuerda de los violines, que sufren una gran transformación. Varios de los instrumentos del Renacimiento dejaron de usarse. No obstante, permanecieron: la trompeta, el trombón, la flauta, el órgano, el arpa, el clavicémbalo; y todos se perfeccionaron. Los nuevos son : la familia del violín, el oboe, el fagot, el timbal, la guitarra.
¿ Por qué está compuesta una orquesta Barroca ?
La orquesta barroca se constituye según el siguiente esquema.
* Esta compuesta normalmente por 5 violines violines primeros, por 5 violines segundos, 4 violas, 5 violonchelos y 2 contrabajos.
* A este núcleo central se añade el de los instrumentos de viento, que normalmente está compuesta por: 2 oboes, 2 flautas, 2 fagotes, 2 trompetas, y dos timbales
* Ya avanzado el siglo XVIII, el grupo de viento se completa con 2 trompas.
* Finalmente el bajo continuo, que estará realizado por el clavicémbalo, arpa u órgano.
De entre los compositores principales de este período, destacan Johann Sebastian Bach,Georg Friedrich HändelAntonio VivaldiHenry Purcell o Georg Philipp Telemann.

ORQUESTAS

ORQUESTA SINFONICA O FILARMONICA
 
La orquesta es un conjunto , con una formación de e instrumentos más o menos estándar. La palabra orquesta procede del griego y significa lugar para danzar. Esta definición se remonta a alrededor del siglo V adC cuando las representaciones se efectuaban en teatros al aire libre en sullivan Frente del área principal de actuación había un espacio para los cantantes, danzarines e instrumentos. Este espacio era llamado orquesta. Hoy en día, orquesta se refiere a un grupo numeroso de músicos tocando juntos. El número exacto suele depender del tipo de música.

La historia de la orquesta en tanto que conjunto de instrumentistas se remonta al principio del siglo XVI aunque, en realidad, este grupo "organizado" realmente toma forma justo a principios del siglo XVIII. Antes de esto, los conjuntos eran muy variables, una colección de intérpretes al azar, a menudo formados por los músicos disponibles en la localidad.

La orquesta de gran tamaño se denomina orquesta sinfónica u orquesta filarmónica (los adjetivos no distinguen el contenido o rol de la orquesta pero pueden ser útiles para diferenciar a orquestas que residen en una misma ciudad; por ejemplo la Orquesta Sinfónica de Londres y la Orquesta Filarmónica de Londres). Una orquesta pequeña, por su parte, se denomina orquesta de cámara. Antiguamente, la orquesta filarmónica era una asociación de amigos que interpretaban música, y la sinfónica era en la que estaba patrocinada por un particular que pagaba para la formación de la orquesta.

Una orquesta típicamente consiste en cuatro grupos de instrumentos musicales:

Cuerdas: violines, violas, violonchelos, contrabajo, arpa y piano.
Maderas: flautas, clarinetes, oboes y fagotes.
Metales: trompetas, cornos, trombones y tuba.
Instrumentos de percusión: bombo, platos, timbales, campanas, xilófono, etc.
También se denomina orquesta a otros conjuntos instrumentales de música popular, de baile, de jazz, siempre que tengan un número considerable de miembros. Las formaciones dedicadas al tango se conocen como orquestas típicas.
 
ORQUESTA DE CAMARA
 
El témino Orquesta de cámara abarca todo tipo de conjunto instrumental con la única carcterística de su pequeño tamaño.
Al igual que toda la música de cámara, viene de la expresión "de cámara", referido al salón; en su origen los salones de música de los palcios y grandes residencias del siglo XVII.
Desde entonces significa "orquesta reducida que cabe en un salón". No tiene una formación concreta de instrumentos.

Las orquestas de cámara las estructuras no son tan definidas, ya que el término se refiere exclusivamente a agrupaciones de una extensión pequeña, sin importar la dotación instrumental, es decir, qué instrumentos se incluyen en ella. Así, se habla también de conjuntos de cámara para indicar agrupaciones muy pequeñas con diversas combinaciones instrumentales: tríos o cuartetos de cuerdas o metales, orquestas de percusiones. Existen muchas denominaciones particulares. Por ejemplo, un cuarteto de cuerdas se compondrá por un violín primero, un violín segundo (que toca la segunda melodía), una viola y un violoncello, mientras que un quinteto incluirá un contrabajo. Sin embargo, si la misma estructura se multiplica (dos o mas violines primeros, violas, etc.), entonces estamos hablando ya de una orquesta de cuerdas, que finalmente es una orquesta de cámara más.
 

Notas? !!!!

Notas musicales


Se representan por medio de 7 nombres:
Do Re Mi Fa Sol La Sí
Cada una de estas notas equivale a una altura o frecuencia determinada, en orden de grave a aguda. La nomenclatura de estas notas en inglés es:
Do Re Mi Fa Sol La Si
 C   D  E   F   G   A  B



Las Figuras musicales


Son símbolos que nos indican la duración de las notas musicales. A continuación presentamos un cuadro con las más usuales, ordenadas según su valor e indicando sus equivalencias.

Las Alteraciones
 
Tal vez te hayas preguntado cómo se llama la nota que se encuentra entre dos tonos correlativos. Para esto usamos las alteraciones. Estas aumentan o disminuyen en un semitono al sonido que acompañan, entonces entre Do y RE, donde hay un tono de diferencia, la nota intermedia se llamará Do # o Re b. Veámoslo claramente desde el teclado en el que cada tecla equivale a un semitono.
 
NORMAL
DO
RE
MI
FA
SOL
LA
SI
INGLÉS
C
D
E
F
G
A
B
 

Teoria Musical !!!!!!






Compas

El compás es la división de la música en partes iguales.
El compás se subdivide en partes iguales, a las que llamamos tiempos;
en cada compás puede haber dos, tres, cuatro o más de ellos.
La cantidad y el tipo de partes se expresa mediante un número fraccionario,
con su correspondiente numerador y denominador.

El final de un fragmento musical u obra se señala por una barra vertical doble, que también se usa para señalar partes principales (unidades formales) de un trozo de música, un cambio de compás o un cambio de clave.


Clave

La clave es un símbolo usado en notación musical, cuya función es asociar las notas musicales con las líneas o espacios del pentagrama. Una clave asocia una nota en concreto con una línea del pentagrama, de manera que a las notas siguientes les corresponderán los espacios y líneas adyacentes.
Existen tres símbolos distintos para representar a las distintas claves, la clave de sol, la clave de fa y la clave de do, que llevan el nombre de la nota que designan a la segunda línea de los pentagramas. Es obligatoria su colocación al principio de cada pauta, pero puede cambiarse durante el transcurso de la obra en cualquier momento, si se requiere.


Armadura

Para lograr una escala mayor, desde una nota diferente a do, se tiene que hacer uso de alteraciones adicionales; el conjunto de las alteraciones necesarias para construir una determinada escala mayor se denomina armadura.
La armadura se escribe inmediatamente después de la clave y su efecto es continuo hasta el fin de la obra.
La colocación de las alteraciones que componen una armadura viene determinada por el denominado ciclo de quintas.
El ciclo de quintas se obtiene colocando las notas a igual distancia una de la anterior, de manera que aparezcan los doce sonidos posibles.

Pulso

La pulsación, o pulso, es cualquiera de las señales transientes musicales periódicas que marcan el ritmo. Dicho más coloquial: es el latido de la música y la utilizamos para comparar la duración de las notas y los silencios. El pulso es la unidad temporal básica (aun así subdivisible) de una obra musical. Cuando un oyente da golpes con el pie al escuchar una obra musical, esos golpes son pulsos.
El pulso es el orden repetitivo más ordenado donde se reconocen unidades rítmicas en una obra musical. Se le llama así porque es como una pulsación que recorre la obra.
A veces el pulso no se percibe desde la tímbrica, ya que el pulso podría coincidir con silencios repetitivos (por ejemplo, si en los tiempos fuertes del compás hubiera silencios, el oyente seguiría percibiendo el compás, y por lo tanto también el pulso).
En un compás también se llama pulso al tiempo (cada una de las partes de igual duración en que se divide el compás).
Por ejemplo si la obra esta escrita en 4/4 serian 4 pulsos por compas mas o menos 4 segundos de duracion del acorde, rif o arreglo dependiendo el tempo que se use.



El Pentagrama


Es un conjunto de cinco líneas y cuatro espacios que se utilizan para asignar el nombre de las notas a las figuras musicales que se representan sobre ella. Es decir según el espacio o línea en que se encuentre una figura musical dentro del pentagrama, así recibirá un nombre u otro.

Esta asignación de los nombres de las notas, está en función de la clave que se utilice. O sea que, la clave decide qué asignación tiene cada uno de los espacios y las líneas que lo demarcan.
Las Líneas Adicionales
Son líneas que puedes colocar a arriba o abajo del pentagrama para ubicar las notas más agudas o más graves respectivamente.


Notas musicales